Fernando Sassone's blog/

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No sin tedio empiezo este nuevo blog, sin tener muy en claro de qué voy a escribir. Pienso que debiera ser temático, pero mis intereses son variados y, además de escribir para los demás, también lo hago para mi mismo. La inespecificidad del blog puede que haga más tolerable mis torpezas literarias y exabruptos de todo tipo.

La escritura hace perdurar cosas intangibles como el pensamiento y las opiniones, cosas que de otro modo, tarde o temprano quedarían en el olvido; pero cuando pasa el tiempo y releo mis antiguos escritos, es común que me averguence de la forma o el contenido de alguno de ellos, me juzgo inconsistente, ingenuo, inmaduro o arrogante. Me queda el consuelo estos reproches son una señal de que el tiempo me vuelve más maduro o de que gano en humildad. Y es que escribir es en sí, para mi, un desafìo y una victoria sobre mi mismo. Tratar de comunicar, corregirme, aprender, dar a conocer mi opinión es una forma revelarme, darme a conocer, y de desnudarme, y esto siempre es un tema serio. Por "serio" no quiero decir profundo, ya que cada vez tengo la sensación más patente de que todo en la vida es leve. Toda pretención de profundidad se me hace como una pose, algo alejado de lo auténtico, de lo esencial ¿quién puede jactarse de ser profundo? No yo, así que haremos lo que salga, sin remordimientos, cuestionamientos, ni arrepentiemientos, total, siempre queda la opción de corregir. Termino esta presentación despidiéndome con una frase de mi folcklore familiar, acuñada por mi vieja: "¡El que no viene no va...!"




Autoretrato

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Fernando Marco Sassone
© 2007 Fernando Sassone. / www.finisafricae.com.ar

¿Porqué es maravilloso el cine italiano? Cuando veo cine Italiano clásico, no puedo menos que conmoverme. Fellini, Visconti, Risi, Pasolini, Scola, Monicelli... cuántos nombres!! y cuantos faltan nombrar! Definir el cine italiano es una empresa que no pretendo ahora, pero sí puedo citar tres de sus características a mi jucio esenciales: Una historia conmovedora, una interpretación sin igual y un sentido estético de lo narrativo. El cine italiano tiene magia, tanta magia como las interpretaciones de sus mounstros actorales, Gassman, Sordi, Mastroianni, Mandredi, Volonte...
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Escribo todo esto pensando en el final de la película "Atenti ai ladri", (una secuela de "Los desconocidos de siempre", otra pelicula, de la decada del 40). Trata sobre dos pícaros malandrines ya entrados en años, que intentan realizar un operativo supuestamente fácil y con mucha plata de por medio. Es una comedia que gracias a la magia italiana, en los últimos 10 segundos, (si, leyeeron bien, los últimos 10 segundos) se convierte en un drama profundo y conomovedor. ¿Cómo puede ser posible esto?

Uno de los miembros de la banda (Mastroianni) sale de la carcel y su amigo, Pepe Pantera, el jefe de la banda, (un ex-boxeador, interpretado por Vittorio Gassman) lo está esperando para armar un nuevo operativo... pero las cosas salen mal y Pepe Pantera debe ser internado de emergencia. Mastroiani asume el mando del operativo haciéndose pasar por Pepe Pantera. Luego de enredos y desastres, el operativo termina aparentemente con éxito y toda la banda de ex-malandrines se reune para festejar el éxito de la misión y el cumpleaños de su jefe Pepe "Pantera", quien acaba de salir del hospital. Están reunidos a la intemperie en una larga mesa bajo un toldo. Charlan y bromean sobre sus aventuras hastas que empiezan a cantarle el feliz cumpleaños a Pepe, quien se pone de pie y se prepara a soplar las velitas de la torta. Entonces aparece un extraño personaje, con aire conspicuo y lentes oscuros... es un matón que viene a vengarse por los enredos que causó el personaje de Mastroianni cuando se hizo pasar por Pepe Pantera. El matón no conoce a Pepe Pantera, pero se para frente él, que está por soplar las velitas y le pregunta:

- ¿Pepe Pantera?
- Sí - le contesta éste.
El matón levanta un arma y le apunta...

Y atención, aquí viene la magia... voy a tratar de explicarlo bien... todo sucede muy rápido, en el instante desde que el matón le apunta con el arma hasta que una fracción de segundo despues le dispara (la acción corre en cámara lenta, para que podamos entenderla):

El matón está parado de frente a Pepe, a unos tres metros, levanta el arma y le apunta. Pepe no comprende por qué, pero sí comprende que llegó su hora, lo van a matar, y en un acto reflejo (recuerden que él es un ex-boxeador), pone sus manos en posición de guardia, como para hacerle frene a la bala, mira al matón a los ojos (mira a la muerte de frente), hace unos movimientos como si se preparara a esquivar un puñetazo y le tira una trompada (al aire), en ese momento recibe el balazo y cae muerto.

Ahi termina la película... y comienzan mis lágrimas.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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Un burgués pequeño, muy pequeño. Mario Monicelli y Alberto Sordi.
Año/Pais: 1977 / Italia
Director: Mario Monicelli
Reparto: Alberto Sordi, Shelley Winters, Romolo Valli, Vincenzo Crocitti, Renzo Carboni
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La tragedia de un hombre común
Una historia fuerte desarrollada magníficamente. Un hombre común que sufre una tragedia sin igual. Sus reacciones, motivaciones y transformaciones emocionales y psicológicas son el leiv motiv de la película.
Desde el primer minuto no se puede dejar de sentir empatía e identificación con el protagonista (Alberto Sordi), especialmente si el espectador es padre de familia, quedando conmovidos por el dolor de un hombre que no puede asimilar la tragedia que le ha tocado vivir. Alberto Sordi se luce en una actuación de suma intensidad, junto a Shelley Winters como partenaire, extraña pareja y sin embargo un gran acierto del director. Una película que nos deja profundamente afectados de la misma manera en que lo hacen películas como "Feos, sucios y malos" de Ettore Scola o incluso "Saló (o los 120 días de Sodoma)" de Pier Paolo Pasollini.

En cuanto a Sordi mismo, ¿hay un actor igual a él? No, Sordi es único, nadie interpreta de la manera en que él lo hace, tanto comedia como tragedia, y por eso ninguna película en donde él actúe queda sin su sello personal. Pero el sello de Sordi no es como el de los actores que vuelcan su propia personalidad carismática en la interpretación (De Niro, Pacino, Hoffman, etc.), Sordi impone una marca de intensidad, su interpretación habla de lo insondable de los sentimientos humanos. Un actor con mayúsculas, como Gassman, Volonté o Mastroiani, pero a diferencia de aquellos, lo que identifica y diferencia a Sordi es esa versatilidad que tiene para moverse con holgura entre los extremos dramáticos, una cualidad que nos transporta a su propio mundo de interpretación y nos presenta una realidad creíble y a la vez surreal. Una síntesis de esta capacidad la demuestra en "Crónica de un joven pobre" de Ettore Scola, en donde en medio de una pelícua de corte realista interpreta un personaje que constantemente ronda lo grotesco, lo patético, lo cómico y lo surreal. Sordi es un mounstro de la actuación.

La trama
Un hombre acompaña a su único hijo recién diplomado en su primer día de trabajo a la institución bancaria en donde él mismo trabajó durante toda su vida. En el momento en que llegan, una banda de criminales asalta el banco y se sucede una escaramuza en la que el hijo cae muerto por una bala de los asaltantes. Pero el padre no se resignará a esta injusticia y se dedicará a buscar al culpable, pero no como un típico héroe norteamericano, él es un tipo común, lleno de limitaciones, inundado por el dolor y desequilibrado emocionalmente.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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© 2007 Fernando Sassone. / www.finisafricae.com.ar

Another woman (Otra mujer)
Año/Pais: 1988 / Estados Unidos
Director: Woody Allen
Reparto: Gena Rowlands, Gene Hackman, Mia Farrow, Ian Holm, Blythe Danner, Martha Plimpton, Josh Hamilton
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Un relato profundo y una narrativa excepcional
Una película con un ritmo pausado y reflexivo. El director nos llevará por la vida de Marion, una profesora de filosofía muy conforme con su vida y relaciones hasta que una serie de sucesos fuera de lo común la hacen reflexionar sobre sí misma, su forma de ser y sus relaciones. El gérmen y la pieza clave de su crisis será una mujer desconocida, que no tiene nada que ver con ella ni con su entorno, pero que sin embargo cambiará su vida para siempre. Un relato profundo de una introspección llena de angustias, emociones y esperanza.

Woody Allen nos lleva del presente al pasado y al subconsciente de la protagonista de una forma natural, mágica y conmovedora. El relato se estructura en forma muy original mediante una sucesión sincronizada de coincidencias y casualidades que cambian el destino de la protagonista, y que más allá de lo verosímil que sean, representan en todo caso una síntesis de lo que podría ser una situación real, y en última instancia son una mera cuestión de género cinematográfico, en donde se condensan las situaciones dramáticas y sus consecuencias. Pese a la cruda realidad de lo que descubre la protagonista en su introspección, la historia tiene un mensaje conmovedor de esperanza y optimismo.

La Trama
Una mujer que llega a los 50 años con el convencimiento y tranquilidad de que ha hecho lo correcto durante toda su vida. Muy conforme de sí misma y sus relaciones. Hasta que decide alquilar un departamento para poder escribir tranquila su nuevo libro. Este departamento tiene un defecto de aislamiento acústico y por la ventilación del aire acondicionado se escuchan las sesiones de piscoanálisis del consultorio de al lado. Como las voces le molestan en su trabajo, bloquea la ventilación con almohadones, pero poco a poco su curiosidad hará que comience a escuchar las sesiones de una joven mujer. Estas escuchas le irán haciendo replantearse su vida y sus relaciones. Por casualidad, se encuentra en persona con esta mujer y mantienen una charla que luego será el tema de su la siguiente sesión de psicoanálisis, donde ella misma escuchará lo que esta mujer opina sobre ella, provocando el punto culminante de su crisis.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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La Armada Brancaleone
Año / Pais: 1966 / Italia
Director: Mario Monicelli
Reparto: Vittorio Gassman, Catherine Spaak, Gian Maria Volonté, Maria Gracia Buccella, Barbara Steele, Enrico Maria Salerno, Folco Lulli, Carlo Pisacane 
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Risas y más risas en una película con bases históricas


  
El gran Vittorio Gassman como Brancaleone di Norcia

Esta película es una obra maestra del humor y de la interpretación. Su brillante guión que nos cuenta las aventuras y desventuras de un caballero medieval de poca monta, Brancaleone Di Norcia (Vittorio Gassman), junto a un noble decadente y desclasado (Gian Maria Volonté) y una banda de pícaros y malvivientes que conforman su armada. Un guión con un desarrollo narrativo impecable, lúcido y que no decae en ningún momento. La recreación de la atmósfera medieval además de comiquísima y satírica está realmente basada en la idiosincrasia y cultura de aquella época: el misticismo, la superstición, la exacerbada religiosidad, la gallardía y también el oportunismo y la picardía de unos malandrines que a pesar de cada revés del destino, no pierden oportunidad de la cual sacar provecho.
Cada personaje principal está desarrollado en forma completa y cada personaje secundario es un estereotipo medieval. Se retratan situaciones típicamente medievales como los monjes predicadores, las peregrinaciones de los pecadores e infortunados a Tierra Santa, la peste, las cortes decadentes... El desarrollo de personajes como el monje "Xenón" o el viejito judío que duerme y se protege dentro de un cofre que lleva a todas partes, o el "hombre oso" son simplemente insuperables.

Precursora de las comedias medievales como la famosa "Los caballeros de la mesa cuadrada" de los Monty Python, película de la cual se puede decir que "La armada Brancaleone" es su referente único. Sin embargo, Brancaleone es a mi juicio muy superior, nada de lo que sucede es anecdótico ni un mero gag, y todo está al servicio de la historia y los personajes.

La película tiene dos secuelas "Brancaleone en las cruzadas" (una película más que increíble con una escenas de lucha de caballeros como jamás he visto, ni en las mejores películas de acción) y "El hijo de Brancaleone", que no tuve el placer de ver.
 
La armada Brancaleone es una de esas películas únicas, de culto.



 


La Trama
Una banda de pícaros malandrines propone a Brancaleone de Nurcia, un un caballero de poca monta, hacerse pasar por el noble al que mataron y robaron un nombramiento imperial para gobernar una región del sur de Italia. Emprenderán una cruzada llena de desavenencias y terminarán sumándose a una peregrinación a Tierra Santa para "limpiar sus pecados", sin embargo el destino los pondrá nuevamente en el curso de su primera misión.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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En mi infancia tenia una pesadilla que se repetía periódicamente, no sabría decir cuántas veces la soñé, fueron las suficientes como para que la identifique claramente. El período de tiempo en que la tuve fue aproximadamente entre mis 4 años hasta los 9 o 10 años, tampoco sabría decirlo exactamente...

La pesadilla
En mi sueño, yo era una gran bobina de papel, como de un metro de ancho, que formaba parte de una gran máquina o mecanismo con rodillos, varillas y partes metálicas negras. El papel salía de la bobina, pasaba por una gran superficie plana de unos cinco metros de longitud, pasaba entre dos rodillos y se metía en la máquina, donde le perdía el rastro. Mientras sucedia este proceso, que podia ver desde afuera, experimentaba angustia y una leve y constante tortura que combinaba un extraño dolor de cabeza, un zumbido o vibración que se mezclaba con los ruidos de la fricción del papel, los rodillos y las partes metálicas de la máquina y un dolor de garganta como de estar tragando algo lenta y dolorosamente, como una pesada angina. La suma de estas sensaciones conformaban un único sentimiento que no acababa de manifestarse en su real magnitud, y que era contenido por un extraño equilibrio basado en el hecho de que el papel entrase liso y parejo entre los rodillos. Este proceso era molesto en si mismo, pero hacia que el dolor fuese tolerable, aunque resultaba inevitable que este incómodo equilibrio no podría mantenerse. Hasta que efectivamente, el papel, pasando a gran velocidad, comenzaba a arrugarse al pasar entre los rodillos, y el proceso se convertía en un verdadero caos, y la angustia y dolor conenidos se tornaban una tortura real. Yo, siendo el mismo papel, me esforzaba por enmendar este problema realizando un incomprensible esfuerzo para pasar entre los rodillos sin arrugarme, pero mi esfuerzo intensificaba la opresión y el dolor, hasta que lograba que el papel se volviese a enderezar y el dolor disminuía volviendo al incómodo y molesto equilibrio inicial. Pero todo era parte de un ciclo y pronto el papel volvía a arrugarse recrudeciéndose la opresión y el dolor. Mientras este pequeño gran drama me ocurría, en medio de mi mortificación, podía ver el rostro de mi padre, claramente divertido, riéndose con una risa sorda propia de quien se ríe mucho tiempo. No creo que hubiese podría sadismo en su actitud, pero resultaba evidente que se reía de lo que me estaba pasando.


Esta maquinita tiene que ver con la pesadilla, ya que es a ella a la que me remitían las imágenes de hierros y varillas de mi pesadilla. Recuerdo que de muy chico me gustaba jugar con ella, y tembién recuerdo que una vez me lastimé... La vengo conservando desde que descubrí que formaba parte de mi pesadilla.

Nota al pie
Curiosamente debido a mi profesión de diseñador gráfico, muchas veces me ha tocado supervisar puestas en máquina en grandes imprentas offset.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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Diálogos de películas
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Hoy: "Hannah y sus hermanas", de Woody Allen

 

Lee, una de las hemanas de Hannah (interpretada por Barbara Hershey), llega a su departamento y se encuentra con su pareja, Friedrich (Max Von Sidow), quien está viendo televisión.

Friedrich le dice:
Te perdiste un triste programa sobre Auschwitz. Más estractos horrorosos y más intelectuales que hablan de la impresión que les causó el asesinato sistemático de millones de personas. La razón por la que nunca responderán a la pregunta: "¿Cómo pudo suceder?" es porque esa es la pregunta equivocada. La pregunta debería ser: "¿Por qué no ocurre más seguido?" Por supuesto que ocurre, pero en formas más sutiles.
Hace siglos que me siento frente al televisor cambiando los canales para encontrar algo. Puedes ver a toda la cultura... nazis, vendedores de desodorantes, luchadores, concursantes de belleza, entrevistas... ¿Puedes imaginarte el nivel intelectual de quien mira las luchas? Pero lo peor son los predicadores fundamentalistas, estafadores que les dicen a los tontos que hablan con Jesús, y que por favor envíen dinero, "¡dinero, dinero, dinero!". Si Jesús regresara y viera lo que sucede en su nombre, no pararía de vomitar.

Lee contesta:
¿Podrías parar?, no estoy de humor para un repaso de la sociedad contemporánea otra vez...


En esta película me encanta el papel  que hace Michael Caine, un esposo patetico y víctima de su esposa Hannah (Mía Farrow), esas mujeres dominantes que se visten de cordero. Aburrido de su estructurada vida matrimonial, Caine empieza a fijar en su joven cuñada, por la que empieza a sentir un amor desenfrenado, y se empieza a tornar grotesco al tratar de conquistarla. Resulta muy gracioso verlo planificar un "encuentro casual", y tiene éxito! Hasta que se revela contra su esposa Hannah (alguien tenía que hacerlo!). Y a propósito de Hannah, qué papeles los que le da siempre Woody Allen a a Mía Farrow, se los debe elegir a propósito porque ella debe ser parecida a esos personajes, dominante y calculadora que da la aparencia de una mosquita muerta pero es una fiera... al menos es la idea que uno teje en la fantasía sobre ella... me la imagino así. Si bien en la película Alice, su personaje ahí al menos resulta querible... pero en "Maridos y Esposas" uno la quiere asesinar... Volviendo a Hanna y sus hermanas allí es Michael Caine quien se lleva los laureles... qué actorazo! El mes pasado vi otra vez "Educando a Rita", donde hace de un profesor universitario, borracho, desencantado del mundo. Que bién le caen ciertos papeles a este tipo!


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Selección y comentario por
Fernando Marco Sassone / Yörik
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"Como no sabemos cuando habremos de morir... pensamos que la vida es un pozo inagotable. Sin embargo, las cosas suceden un número muy limitado de veces. ¿cuántas veces mas usted recordara una cierta tarde de su niñez, una tarde que es tan parte de su ser, que no se puede imaginar su vida sin ella? Tal vez 4 o 5 veces mas, tal vez ni siquiera eso. ¿Cuantas veces mas verá la salida de la luna llena? Veinte, tal vez. Y sin embargo, todo nos parece ilimitado"

Paul Bowles puso estas palabras en boca de Port, uno de los protagonistas de su novela "El cielo protector" (Sheltering sky), en muchos sentidos un alter ego suyo si consideramos el tipo de vida que llevó el escritor, de la cual hizo casi un panfleto o manifiesto social o filosófico si se quiere. Y sin embargo, no fue en el libro donde descubrí la frase sino en la versión cinematográfica realizada por Bernardo Bertolucci (ese director italiano, que no hace cine italiano). Desde que la escuché quedé automática y absolutamente maravillado con su sentido, y hace años que la pienso y la medito, la hago carne en mi. Pienso que tenemos como un deseo de ser infinitos, o algo escencial que nos dice que los somos, y por eso, cotidianamente vivimos como si nuestra vida no fuera a tener fin.

En la novela esta frase es parte de una conversación casual en un momento nada singular de la trama. Es un libro lleno de reflexiones profundas y existencialistas.

En la película, el mismo Paul Bowles aparece como extra, interpretendo a un desconocido, un hombre mayor sentado en el bar de la recepción de uno de los hoteles en donde se alojaban los protagonistas, creo que cruza unas palabras con Katty (Debra Winger), y aparece nuevamente en el final para cerrar la película recientando esta frase con su voz en off. 

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Selección y comentario por
Fernando Marco Sassone / Yörik
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Cada generación que pase por el mundo indefectiblemente se preguntará sobre el sentido del dolor. ¿Por qué o para qué sufrimos? Puede que no haya respuestas definitvas. Yo creo que el dolor nos conecta con el sentido de la vida, con lo esencial o con nuestro ser esencial. De esta manera el dolor se vuelve, digamos, didáctico. Pero no siempre podemos hacer un "buen uso" del dolor, hay veces en que no cabe ninguna reflexión, solo soportarlo hasta que pase, o comprender que nunca pasará, directamente nos cambiará. Con la muerte de un ser amado esto es muy claro. Respecto del dolor, dijo Oscar Wilde: 

"Los sacerdotes y demás personas que emplean sin discernimiento frases sin sentido, hablan a veces del dolor como un misterio. En realidad el dolor es una revelación, pues por él uno conoce aquello en que nunca se había pensado, y se considera la historia bajo un muy distinto punto de vista."

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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2001: Una odisea Espacial, película de Stanley Kubrick. El guión cinematográfico realizado en colaboración por Kubrick y Clarke, es anterior a la novela de Clarke.

Dos maneras de contar... algo distinto.

En 1968, Arthur C. Clarke, escribía en la introducción de su novela "2001. Una odisea espacial" que por cada hombre viviente, la humanidad contaba con 30 hombres muertos. Más de cien mil millones de seres humanos han transitado por este planeta y desaparecido. Muy pronto todos nosotros pasaremos a engrosar ese ejército de seres no vivos... Tal vez por eso nos esforcemos tanto por trascender de algún o cualquier modo, con nuestros hijos o nuestras obras, dejar un legado, algo de nosotros. Pero nadie nos puede develar qué nos depara el polvo en el que nos convertiremos. Dicen ciertos biólogos, genetistas, que el deseo de trascender es un instinto, un mandato genético, un reflejo que garantiza la continuidad de la especie. Los científicos siempre se las arreglan para hacer desalentar la mística o la metafísica de nuestros actos o pensamientos. Pero si nos atenemos a las leyes físicas y astrofísicas, la extinción de la especie y el final de todo, son un hecho inevitable. Este mundo alguna vez desaparecerá. Cuando el sol se apague la tierra será un planeta muerto. Para entonces hará tiempo }que habremos desaparecido. Antes de enfriarse, el sol sufrirá algunos procesos que provocarán el calentamiento de la Tierra y los planetas interiores, haciendo imposible la vida humana.

Nos reconocemos finitos como individuos, pero tendemos a concebirnos eternos como especie. A pesar de las alarmas ambientales que vaticinan las más variadas catástrofes, no solemos aceptar un final para la humanidad. Estar destinados a la extinción es un pensamiento extraño, inconcebible, inacepable. Puede que ese fatídico destino esté demasiado lejos como para procuparnos, pero el final individual está a penas a unos cuantos años de distancia, dias u horas para algunos. Ante el hecho de dejar de existir experimentamos temor o incertidumbre, pero si reflexionamos lo suficiente sobre ello, puede que un nuevo sentimiento se apodere de nosotros: la curiosidad. ¿Tendrá el hombre la capacidad de trascender a su existencia física?

Ese es el tema de la novela "2001: Una odisea espacial". No se habla de Dios, sí de "dioses", no se habla de alma, sí de ciencia y evolución. Un relato largo y lineal que comienza en la prehistoria con el inicio de la vida del hombre como especie, y concluye con su "destino final" en el cosmos. Pero en medio de esto solo hay sucesos no más interesantes que anecdóticos. Aunque tambien engañosos: En el contexto del viaje interplanetario, en un momento para nada especial de la narración, el protagonista plantea una tésis de cómo el hombre podría lograr la eternidad. Es una desapasionada y despreocupada reflexión del protagonista en una de las tantas descripciones y explicaciones que tiene el libro. La idea no se presenta con magistral prosa, ni es producto de la magia de una narración fantásitca, tampoco es el resultado de una serie concluyente o consecuente de acciones ni pareciera ser una idea central en la narración, pero al llegar al final de la obra nos encontramos con que esta tesis se convierte en una realidad. Un final ingenuamente (por no decir "estupidamente") anticipado por el mismo autor. Nunca había leido en una novela una gratuita anticipación del final. Reconozco que el tema es interesante y que hay originalidad en el planteo de este destino final del hombre, pero resulta realmente decepcionante la forma en como ha sido planteado.

El último capitulo, de solo media página de extensión, no es de recomendable lectura. Semejante a un epílogo, intenta seguir echando luz sobre un tema de por sí oscuro, llevando la narración a un punto tan explícito y anecdótico que a mi entender perjudica gravemente a la historia. Pero podemos perdonar este último error y el infantilismo de su redacción, porque de una menera especial, la novela complementa a la película a modo de contrapunto. Afortunadamente, Kubrick, evitó todo tipo de explicitación limitándose a poner imágenes, música y sonido a una maravillosa crónica cósmica, evitando dar respuestas y conclusiones y ofreciendo un final que permite más de una interpretación.

La lectura de la novela no ha sido reveladora, no ha encendido ese fuego interior que aviva la literatura con mayúsculas, pero su lectura ya se justifica con la visión previa de la genial película, que sí logra encender nuestras fibras metafísicas, motivandonos a reflexionar sobre lo que la novela evade: reconocer el misterio de nuestro destino final.

Tal vez y justamente porque la novela fue posterior a la película, Arthur C. Clarke intento con ella mitigar su propio desconcierto ante los misterios que Kubrick prefirió librar a nuestra imaginación.


Título 2001: A Space Odyssey
Año 1968 / Duración: 139 min. / País: Inglaterra - EEUU
Director: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick & Arthur C. Clarke (la novela de Arthur C. Clarke es posterios al guión)
Fotografía: Geoffrey Unsworth
Productora: MGM
Música: Richard Strauss, Johann Strauss, Gÿorgy Ligeti, Aram Kachaturian.
Reparto: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick


El relato (¿crónica?) comienza en la prehistoria, con una manada de monos que será tocada por "los dioses"


En el otro extremo de la historia, en la era espacial, durante un viaje interplanetario, el hombre, un hombre, encontrará tal el destino final de la especie.


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Fernando Marco Sassone / Yörik
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Homenajes
Sobre referencias y homenajes de ciertos autores hacia otros, mi torcida y elucrubradora mente ha encontrado, o concebido, una cadena de referencias y relaciones desde el cine a la literatura y de vuelta al cine.

 
Los personajes de la película de Hitchcock: Guy Haines, interpretado por Farley Granger y Bruno Anthony, por Robert Walker.

"Extraños en un tren", la primera novela de la genial Patricia Highsmith cuenta la historia de un arquitecto, Guy Haines, que se ve envuelto en un mefistofélico plan de asesinato. Guy emprende un viaje en tren a su pueblo natal, para convencer a su ex-pareja de que le de el divorcio para poder continuar con su ascendente vida personal y profesional. En el tren conoce a un extraño personaje, Bruno Anthony, un joven cínico y hedonista, hijo de un millonario, obsesionado con planificar un crímen perfecto, y con desembarazarse de su padre, quien resulta un obstáculo para continuar con su vida licenciosa y decadente... Durante la noche, Bruno y Guy comparten la cena en un vagón privado y con unas copas de mas, mantienen una asimétrica conversación en donde Bruno tira de la lengua de nuestro arquitecto y deduce que así como su padre en su vida, la esposa de Guy se interpone en la de él. Comienza entonces a hablar de crímenes perfectos y le propone asesinar a su esposa a cambio de que él asesine a su padre. Este es el punto de partida de la genial novela de Patricia Highsmiths llevada al cine por Alfred Hitchcock ("Extraños en un tren" o "Pacto con el diablo").

Hitchcock, al adaptar la novela, cambia la profesión del protagonista de arquitecto a tenista.

Woody Allen, en su genial película "Crímenes y Pecados" (Crimes & Misdemeanors), nos cuenta la historia del Doctor Oftalmólogo Judah Rosenthal (interpretado magistralmente por Martin Landau) que ha mantenido un amorío extramatrimonial durante varios años. Ya en la cumbre de su carrera profesional y con miras a retirarse, su amante (Angelica Houston) le reclama que deje a su esposa y lo amenaza con revelar su secreto. De a poco Judah se va convenciendo de que la única solución es el asesinato.

En su reciente película "Match Point", Woody Allen retoma esa misma línea argumental en un entorno y circunstancias diversas pero con una misma esencia. Y esta vez la profesión del protagonista también cambia... de médico a tenista...

Dirán que mi relación es agarrada de los pelos, o un detalle o circunstancia sin importancia... pero, el asesinato, la disyuntiva moral y social, la clase media y la clase alta, el hombre común, la suerte, la fortuna y finalmente... "el crimen y castigo"... son elementos presentes en estas historias. Las películas de Woody Allen están llenas de homenajes, a veces más otra veces menos evidentes, como "Sombras y niebla" homenajea a la versión cinematográfica de "La ópera de los tres centavos" de Bertolt Brecht o "Misterioso asesinato en Manhattan", hacia su final, a "La dama de Shangai" (The Lady of Shangai) de Orson Welles o "La última noche de Boris Grushenko" (Love and death) se presenta casi como una sátira de "Barry Lindon" de Kubrick, aunque las dos fueron realizadas en 1975...

Lo que yo creo es que Woody Allen, que no es ningún sonzo, y es respetuoso de sus mayores, ha realizado un sutil doble homenaje en la elección de la profesión del protagonista de "Match point". Son solo guiños, cierto, pero es el cine autoreferenciándose... es el arte hablando del arte.

En el final de "Crímenes y pecados" el personaje Judah Rosenthal mantiene una charla con otro personaje que es director de cine (interpretado, claro, por el propio Woody Allen) y le cuenta su propia historia como si fuera un guión para cine, a la cual Woody Allen le objeta el final, ya que según él, para que hubiese drama, el amante asesino debiera entregarse mortificado por la culpa... a lo que Judah, le contesta: 

"Ja!, usted es director de cine, claro, pero esto no es cine, es la vida real..."

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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Los bigotes pintados de Groucho Marx siempre me inquietaron, hasta hoy. Y es que en nuestro afán por ver en el cine a la realidad, cuando identificamos alguno de sus artificios se rompe esa ilusión. Sin embargo, Groucho y sus bigotes pintados nos recuerdan que el cine es un gran artificio, y que lo esencial no es la forma, sino el contenido.

Una de las cosas más notables en Groucho es su ambiguedad: el personaje con su persona, sus sarcasmos con sus guiones, las anécdotas de su vida con los gags de sus películas... todo se mezcla y combina para devolvernos la imagen de alguien cercano al que creemos conocer. El  mismo nos dice: "No estoy seguro de cómo me convertí en comediante o actor cómico. Tal vez no lo sea. En cualquier caso me he ganado la vida muy bien durante una serie de años haciéndome pasar por uno de ellos." En Groucho, la realidad y ficción no es discernible... y esos bigotes pintados, siempre fueron un gesto genial. La mayor parte de las  veces se veía como reales, pero en algunos primeros planos de perfil o tres cuartos se evidenciaban su falsedad... y nada más intencional!

Gran parte del actual cine norteamericano o comercial se basa en la verosimilitud que pueda lograrse con el artificio. Creo que hoy más que nunca necesitamos recordar esos bigotes de Groucho que nos dicen que lo esencial trasciende a la forma, que una historia no necesita de efectos especiales para ser creíble, que cuando una bomba explota en la pantalla, lo importante no es la llamarada, ni el humo, ni los miles pedazos volando por el aire, sino el sentido del hecho mismo para la historia.

[ Entrada en preparación - Continuará... ]
Esta nota va a quedar inconclusa por el momento poque voy a empezar un receso de computadoras y trabajo, espero contar con ustedes a mi regreso para poder seguir compartiendo estas reflexiones. Los aliento a que que se animen a dejar comentarios, ya que el contador de visitas sigue creciendo, pero sin feedback. Eso puede querer decir que lo que escribo tiene un concenso enorme o que no me merece siquiera una oposición, o quien sabe que quiera decir... Soy consciente de que estar registrado en el portal para dejar un comentario es una inconveniencia... por eso estoy migrando de a poco a blogger www.cineticon.com.ar, en donde se pueden dejar comentarios sin estar registrado.

Damas y caballeros... me despido con una frase de Groucho: "Disculpen si los llamo caballeros, pero es que no los conozco muy bien."

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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